Etichetta: Mercury Records
Data di uscita: 12/2/1980
Produzione: Terry Brown & Rush
Durata dell’album: 39.55 min
Genere: Art rock / Progressive Rock
Voto: 10/10
Questo è probabilmente l’album dei Rush più famoso e amato di sempre. E senza dubbio il più venduto! «Moving Pictures» è il disco con cui i Rush hanno chiuso definitivamente con la loro fase prog rock, puntando su canzoni più brevi e compatte e proseguendo nella definizione del nuovo linguaggio musicale, la cosiddetta specifica definizione art rock dei Rush! Tutti i brani di questo album sono grandi favoriti dei fan, oggi veri classici dei Rush, e la gran parte è entrata a far parte del repertorio fisso dei concerti nei tour della band. Quanto sia amato «Moving Pictures» lo dimostra il fatto che entro febbraio 1995 aveva venduto quattro milioni di copie, diventando fino ad allora quattro volte disco di platino!
Questa graduale eliminazione dei tratti prog era già stata segnata in modo evidente dal predecessore «Permanent Waves» (1980), ma «Moving Pictures» ci ha piantato sopra l’ultimo chiodo della bara. Le due grandi novità, legate in modo irreversibile, come un amore a prima vista, alla trasformazione del linguaggio musicale, sono la decisione di Geddy Lee di smettere di cantare in modo frenetico, con quei registri da spaccare i timpani, e l’integrazione sempre più marcata di vecchi sintetizzatori, come l’Oberheim OB-X, che all’epoca era il modello a portata di mano in studio.
Il lavoro sull’album è iniziato alla fine di agosto del 1980. L’opener «Tom Sawyer» (gli spezzoni di questo pezzo passavano negli intervalli tra un tempo e l’altro dei Mondiali di hockey su ghiaccio del Gruppo A in Canada, nel 2008) è stato uno dei primi brani scritti per il disco ed è nato in un modo curioso: mentre Lee provava a caso il suono del sintetizzatore in studio. Ancora oggi è una delle canzoni più note dei Rush, ed è diventata così popolare da essere usata come colonna sonora di diversi film e perfino in una scena di un episodio di South Park. Anche se la parte principale del brano poggia su un’atmosfera cupa, sostenuta dalla celebre scenografia dell’Oberheim in combinazione con il suono corposo dei pedali del basso, il canto di Geddy Lee con una voce normale ne è il contrappeso ideale. La sensazione di questa dualità è quella di un giovane, un ribelle dei giorni nostri (la voce di Lee), finito in una tempesta senza uscita (i toni ululanti del sintetizzatore e dei pedali del basso sullo sfondo) fatta di tutto il conformismo che lo soffoca. Che fosse o meno l’intenzione della band, in fin dei conti non importa, perché l’effetto funziona: convincente, unico, perfino bizzarro, e allo stesso tempo ancora più affascinante grazie a una diversità musicale straordinariamente personale!
«Red Barchetta» dipinge un’atmosfera completamente nuova, quella di una corsa immaginaria al volante di una Ferrari, e qui passa in primo piano Alex Lifeson con un crescendo graduale di rumore chitarristico. L’inizio è fragile e poggia su semplici motivi in armonici, poi, da un accompagnamento semplice e innocente, scivola quasi senza accorgersene nel celebre riff da corsa, in cui non è difficile immaginare qualcuno in una macchina veloce con il piede sull’acceleratore che si fa più pesante di momento in momento! L’ispirazione per i versi di questa canzone il paroliere Neil Peart l’ha presa dal racconto «A Nice Morning Drive» di Richard Foster! Lee, però, avrebbe potuto darsi prima una rapida ripassata di italiano e accentare la parola Barchetta cantando in uno dei versi il gruppo «ch» come «k» (Barketa) e non come «č» (»Barčeta«)! Una svista simpatica.
«YYZ» è uno degli strumentali più famosi dei Rush. Il motivo di base del brano è costruito sulla ripetizione di note che rappresentano in codice Morse la sequenza di lettere «Y – Y – Z». Il pezzo si distingue per l’estrema compattezza di motivi che al primo ascolto sono difficili da afferrare, se non addirittura bizzarri, e che sono incastrati nel brano. Questo strumentale mostra nel modo più bello la chimica tra i tre musicisti e quanto funzionasse alla perfezione quell’intesa reciproca. Il completarsi e il rimandarsi tra le tre entità musicali rendeva a un livello eccezionale. Il brano si sviluppa in modo imprevedibilissimo. L’onda dinamica dell’atmosfera, che non si ferma mai, viene smossa nel modo più efficace dall’assolo avventuroso ed esplorativo di Alex Lifeson (con un pizzico di arabeschi). Poco dopo, un passaggio fluido in una transizione semplice, sorretta dalla scenografia dei sintetizzatori con un effetto spiccatamente cerebrale, la «ribalta». Dopo di essa il brano torna al motivo di base! La sigla YYZ si riferisce al codice IATA (che indica la località dell’aeroporto). Nel caso dei Rush è quello dell’aeroporto di Toronto (Toronto Pearson International Airport).
«Limelight» è il secondo singolo dell’album. I versi parlano della mancanza di serenità nel vivere il ruolo di star popolare sotto i riflettori. E proprio di quel ruolo sognano tutti quelli intorno a te. Peart, individualista fino al midollo, in questo periodo, quando la popolarità dei Rush era cresciuta moltissimo, ne fu toccato più di tutti e fu il più in difficoltà dei tre a sopportarlo. In questi motivi di base dal colore maggiore molto positivo, in contrasto con il testo difensivo, spicca di nuovo l’assolo di Lifeson, che in questo caso esprime la proverbiale «solitudine del musicista nel ruolo di star esposta ai media». La «folla» che vuole farti a pezzi sarebbe in questo caso la struttura di base seducente del brano, con cui la folla si identifica subito. Il pezzo, di per sé, comunica ancora una volta in modo molto sottile questa dualità, questa spaccatura dentro l’uomo, o l’incomprensione di un individuo che non accetta lo status conquistato. Il simbolo in cui si riconosce lo spirito dell’eredità dei Rush e che raffigura «l’individuo rivolto verso un pentagramma dritto (la pressione della massa)» acquista in questo caso un peso espressionista ancora maggiore!
«The Camera Eye» è l’ultimo brano lungo della carriera della band! Più di dieci minuti. Chi conosce il pezzo lo considera l’ultima reliquia del periodo progressive rock del gruppo, che però, sia per la produzione sia per la semplificazione generale dell’intreccio dei motivi scelti, ha un forte accento di espressionismo art rock con venature new wave. Con questo brano la band ha provato a catturare due momenti completamente distinti del battito delle grandi città: la Londra europea e la New York americana. Le sequenze, tra la comunicazione marcatamente rock del trio e le parti in cui i sintetizzatori prendono sempre più peso nella scenografia sonora, si alternano con un pizzico di imprevedibilità necessaria, mentre in profondità torna a emergere l’elemento della «stranezza», la cui figurazione finale nel linguaggio dei Rush risulta unica, logica e del tutto padroneggiata. È l’unico brano di «Moving Pictures» che la band, dopo il tour di supporto all’album «Signals» (1983), non ha mai più eseguito dal vivo in tutta la sua carriera.
«Witch Hunt» è la terza parte della celebre tetralogia dei Rush sulla paura, «Fear»! La prima parte, «The Enemy Within», si trova nell’album «Grace Under Pressure» (1984), la seconda, «The Weapon», nell’album «Signals» (1982), mentre la quarta è uscita solo nel 2002 nell’album «Vapour Trails» con il titolo «Freeze». L’idea di fondo di questa tetralogia sarebbe che la maggior parte delle azioni e reazioni umane nella nostra società è guidata dalla paura. Quindi non dall’amore o dal coraggio, ma dalla paura di restare soli, dalla paura di perdere i propri beni, dalla paura della malattia, eccetera… In altre parole, si cerca il controllo per ottenere più sicurezza. E la massa non si chiede nemmeno quanta libertà personale (la libertà dell’individuo) venga sacrificata per questo. Ed eccoci di nuovo alle domande di Tom Sawyer dell’inizio dell’album, e il cerchio si chiude. «Witch Hunt» è il momento più cupo del disco «Moving Pictures». Sviluppa un’atmosfera quasi inquietante. Il brusio iniziale aggiunto all’inizio del pezzo è costruito a partire da registrazioni dei festeggiamenti dei membri della band in una delle pause, quando sono usciti un attimo dallo studio, in mezzo a una giornata invernale di neve. Quelle registrazioni sono state fatte il giorno in cui fu ucciso John Lennon. Era dunque l’8/12/1980!
Il brano di chiusura dell’album, «Vital Signs», è il terzo singolo, che però non ha avuto successo commerciale: non è entrato nemmeno in classifica. Il pezzo è curiosissimo perché anticipa i successivi spostamenti espressivi della band. Lo suggerisce la base ritmica reggae nel pre-ritornello. Un trucco che sarebbe comparso ancora più spesso nell’album «Signals» e che all’epoca, nell’art pop – con l’innesto di elementi punk e SKA – funzionava come una spezia irresistibile (controlla per esempio la discografia dei The Police). «Vital Signs» è uno dei brani più semplici dell’album, ma allo stesso tempo uno di quelli con un messaggio forte, messo ancora più in risalto nel finale del pezzo (e del disco): «We must all step away from the norm!» Il solito messaggio d’allarme, insomma: per trovare le risposte giuste bisogna guardarsi dentro, seguire prima di tutto la voce della propria individualità. Niente di nuovo, ma sempre attualissimo. Soprattutto visto che il numero delle «anime vendute» e della sottomissione di massa dei cervelli lavati cresce a vista d’occhio anche oggi. Trovare la forza e il coraggio di restare te stesso e di opporti, in questo. Questa è la saggezza e la tentazione dell’uomo da sempre.
L’album «Moving Pictures» è il momento della carriera dei Rush in cui tutti i fattori si sono allineati al momento giusto, nel posto giusto. Idee musicali piazzate in modo rigorosamente riconoscibile, ma con un’energia con cui le masse non facevano fatica a identificarsi. Con la forza di una band capace di offrire una varietà di colori enorme tra i motivi portanti dei singoli brani e di proporre pezzi che raggiungono tutti lo stesso livello di qualità e sono, uno dopo l’altro, i favoriti di questo disco. Un momento Rush che ha segnato uno dei vertici della carriera creativa del gruppo. Uno di quegli zenit in cui dici semplicemente: «Meglio di così non si può». «Moving Pictures», con la sua attitudine avanguardistica, rivolta in avanti, esplorativa e positivamente evolutiva, conserva un’attualità eterna e sempreverde. Un album come «Moving Pictures» ha da sempre un posto speciale nell’universo del rock. Il posto di un capolavoro rock!
Autore: Aleš Podbrežnik
Tracklist:
1. Tom Sawyer (4:34)
2. Red Barchetta (6:08)
3. YYZ (4:24)
4. Limelight (4:21)
5. The Camera Eye (10:57)
6. Witch Hunt (Part III of Fear) (4:44)
7. Vital Signs (4:47)
Formazione:
Geddy Lee – basso, voce, sintetizzatori (Oberheim polyphonic, OB-X), mini moog
Alex Lifeson – chitarre elettriche e acustiche a 6 & 12 corde, Taurus bass pedals
Neil Peart – batteria, percussioni
Musicisti ospiti:
Hugh Syme – sintetizzatori nel brano n. 6
