Artista: Rush
Etichetta: Atlantic Records
Uscita: 1981
Durata: 40:02
Voto: 5/5
Questo è probabilmente l’album dei Rush più famoso e amato di tutti i tempi. E senza dubbio quello di maggior successo! “Moving Pictures” è il disco con cui i Rush hanno chiuso definitivamente con il loro periodo prog rock, puntando su pezzi più brevi e compatti e continuando a mettere a fuoco un nuovo linguaggio musicale, la cosiddetta definizione art rock specifica dei Rush! Tutti i brani di questo album sono grandi favoriti dei fan, oggi veri e propri classici dei Rush, e la stragrande maggioranza è entrata a far parte del repertorio fisso dei concerti nei tour della band. Quanto sia amato “Moving Pictures” lo dimostra il fatto che entro febbraio 1995 aveva venduto quattro milioni di copie, diventando fino ad allora quattro volte disco di platino!
A segnare in modo netto questa graduale eliminazione dei trucchi prog fu già il predecessore “Permanent Waves” (1980), ma “Moving Pictures” ci ha piantato sopra l’ultimo chiodo della bara. Le due grandi novità, legate in modo irreversibile alla trasformazione del linguaggio musicale come un amore a prima vista, sono la decisione di Geddy Lee di smettere di cantare in modo frenetico, con quei registri che ti perforavano i timpani, e l’integrazione sempre più marcata delle sonorità primitive dei primi sintetizzatori, come l’OB-X di Oberheim, che in quel periodo era il modello più a portata di mano in studio.
I lavori per l’album sono iniziati a fine agosto 1980. Il brano d’apertura, Tom Sawyer (gli inserti furono trasmessi durante le pause tra i tempi dei Mondiali di hockey su ghiaccio del Gruppo A in Canada, nel 2008), è stato uno dei primi ad essere scritti per il disco, ed è nato in modo curioso: mentre Lee provava a caso i suoni dei synth in studio. Ancora oggi è una delle canzoni più note dei Rush, ed è diventata così popolare da essere usata come colonna sonora di diversi film e perfino in un episodio dell’animazione South Park. Anche se il pezzo si regge su un’atmosfera cupa, sostenuta dal celebre scenario dell’Oberheim in combinazione con il suono corposo delle pedaliere del basso, il canto di Geddy Lee con una voce normale ne è il contrappeso ideale. L’effetto di questa dualità è come se un ragazzo, ribelle dei nostri tempi (la voce di Lee), si ritrovasse in una tempesta senza via d’uscita (i toni ululanti del synth e delle pedaliere sullo sfondo) fatta di tutto il conformismo che lo circonda e a cui dovrebbe piegarsi per forza. Che fosse l’intenzione della band o meno, alla fine non importa nemmeno: l’effetto funziona, è convincente, unico, perfino bizzarro, e proprio per questa diversità musicale così personale ancora più affascinante! Tom Sawyer era stato inserito (in via sperimentale) nel tour autunnale della band del 1980, quindi i Rush lo suonavano già dal vivo prima che uscisse l’album “Moving Pictures”!
Red Barchetta dipinge un’atmosfera completamente nuova, quella di una corsa immaginaria al volante di una Ferrari veloce, e qui passa in primo piano Alex Lifeson con un crescendo graduale di rumore chitarristico. L’inizio è fragile e poggia su semplici motivi in “armonici”, poi da quell’accompagnamento semplice e innocente si scivola quasi senza accorgersene, gradualmente, nel famoso riff da corsa, in cui non è difficile immaginarsi qualcuno in un’auto veloce con il piede sull’acceleratore che pesa sempre di più di secondo in secondo! L’ispirazione per i versi di questo pezzo il paroliere Neil Peart l’ha presa dal racconto “A Nice Morning Drive” di Richard Foster! Lee, però, avrebbe potuto fare prima un rapido ripasso d’italiano e pronunciare la combinazione di lettere “ch” in uno dei versi come “k” (Barketta) e non come “č” (“Barcetta”)! Un errorino adorabile.
YYZ è uno degli strumentali più famosi dei Rush. Il motivo di base del pezzo è costruito su una ripetizione di note che rappresentano la sequenza di lettere Y – Y – Z in codice Morse. Il brano si distingue per l’eccezionale compattezza di motivi apparentemente strampalati che ci sono incastrati dentro. Questo strumentale è probabilmente la dimostrazione più bella, sul disco, di quanto in questo periodo la percezione reciproca dei tre musicisti fosse straordinaria e di come, sul piano musicale, funzionassero come tre entità distinte che, pur con visioni diverse, si completavano alla perfezione. La sensazione è di qualcosa di “staccato”, imprevedibile, eppure la band come trio mostra un controllo incredibile in ogni singolo punto. Vorrei sottolineare l’ondeggiare dinamico dell’atmosfera, che viene scosso con la massima efficacia dall’assolo di Alex Lifeson, avventuroso ed esplorativo (con una spruzzata di arabeschi), e che viene rovesciato dall’atmosfera trascendentale costruita dietro di lui, quando per qualche secondo entra un semplice motivo di sintetizzatori. Dopo l’assolo il brano torna al motivo di base! La sigla YYZ si riferisce al codice di identificazione IATA dell’aeroporto (che indica dove si trova), e nel caso dei Rush a quello dell’aeroporto di Toronto (Toronto Pearson International Airport).
Limelight è il secondo singolo dell’album .I versi parlano della scomodità di vivere nei panni di una star popolare sotto la luce dei riflettori. E proprio quel ruolo è quello che tutti intorno a te sognano. Per Peart, individualista totale, quel ruolo, in un periodo in cui la popolarità dei Rush era cresciuta enormemente, è stato il più pesante da digerire: da membro più sensibile della band, ne è stato toccato più di tutti e l’ha sopportato peggio dei tre. In questi motivi di base, dal colore maggiore molto positivo rispetto al testo difensivo, spicca di nuovo l’assolo di Lifeson, che qui rappresenta una specie di solitudine del musicista nel ruolo di star esposta ai media, braccata da una folla enorme, che nel pezzo è rappresentata dalla struttura di base melodica e sottilmente seducente, che non è difficile da conquistare nemmeno per la maggior parte della gente. Il brano, di nuovo in modo estremamente sottile, comunica questa dualità, questa spaccatura nell’uomo stesso, o l’incomprensione di un individuo che non accetta lo status ottenuto, che è il desiderio segreto di ogni comune mortale. Il simbolo in cui si identifica lo spirito della tradizione dei Rush e che raffigura “l’individuo rivolto verso un pentagramma dritto (la pressione della massa)” acquista qui un peso espressionista ancora maggiore!
The Camera Eye è l’ultimo brano lungo della band in carriera! Supera i dieci minuti. Gli esperti del pezzo lo classificano come l’ultima reliquia del periodo progressive della band, che però, sia per la produzione sia per la semplificazione generale del dispiegarsi dei motivi scelti, ha un forte accento di espressionismo art rock. Con questo brano la band ha provato a catturare due momenti completamente distinti del battito delle grandi città: la Londra europea e la New York americana. Le sequenze, tra la comunicazione rock marcata del trio e le parti in cui i synth acquistano sempre più peso nell’uso dello scenario sonoro, si alternano con un pizzico di imprevedibilità necessaria, mentre in profondità emerge di nuovo l’elemento di “stranezza”, la cui figurazione finale suona, nel linguaggio dei Rush, unica, logica e del tutto padroneggiata. È l’unico pezzo di “Moving Pictures” che la band, dopo il tour a supporto dell’album “Signals” (1982), non ha mai più suonato dal vivo in carriera.
Witch Hunt è la terza parte della celebre tetralogia dei Rush sulla “Paura”! La seconda parte (The Enemy Within) la trovi sull’album “Grace Under Pressure” (1984), la prima, The Weapon, sull’album “Signals” (1982), mentre la quarta è uscita solo nel 2002 sull’album “Vapour Trails” con il titolo Freeze. L’idea di fondo di questa tetralogia è che la maggior parte delle azioni e reazioni umane nella nostra società sia guidata dalla paura. Quindi non l’amore o il coraggio, ma la paura di restare soli, la paura di perdere i propri beni, la paura della malattia, eccetera… In altre parole, la ricerca del controllo allo scopo di ottenere più sicurezza. E così la massa non si chiede nemmeno quanta libertà personale (la libertà dell’individuo) venga sacrificata per questo. Ed ecco che siamo di nuovo alle domande di Tom Sawyer dell’inizio dell’album, e il cerchio si chiude. Witch Hunt è il momento più cupo del disco “Moving Pictures”, sfiora un’atmosfera quasi fatale che la band tesse lentamente e che vive il suo “crescendo” nella seconda metà, quando i synth sullo sfondo e il passaggio della chitarra al riff spalancano l’atmosfera raggelante dell’intreccio iniziale. Il brusio d’apertura aggiunto all’inizio del pezzo è costruito con più strati registrati dei festeggiamenti dei membri della band, con un bicchierino o due durante una pausa fuori dallo studio, in mezzo a una giornata invernale di neve. Quelle registrazioni sono state fatte nel giorno dell’assassinio di John Lennon, cioè l’8 dicembre 1980!
Il brano conclusivo dell’album, Vital Signs, è il terzo singolo, che però non ha avuto successo commerciale: non è entrato proprio in nessuna classifica. Questo pezzo è estremamente interessante perché anticipa i successivi spostamenti espressivi della band. Lo indica la base ritmica reggae nel pre-ritornello, un trucco che sarebbe tornato ancora più spesso sull’album “Signals” e che all’epoca, nell’art pop che amava infilarci elementi punk e ska, funzionava come una spezia irresistibile (controlla ad esempio l’opera dei The Police). Vital Signs è uno dei brani più semplici dell’album, ma allo stesso tempo uno di quelli con un messaggio forte, messo ancora più in risalto nel finale del pezzo (e del disco): “Dobbiamo tutti allontanarci dalle norme!” Insomma, il noto messaggio d’allarme: per trovare le risposte giuste bisogna guardarsi dentro, seguire prima di tutto la voce della propria individualità. Niente di nuovo, ma comunque sempre attuale. Soprattutto visto che il numero delle “anime vendute” e della sottomissione di massa dei cervelli lavati cresce a vista d’occhio, di giorno in giorno, anche oggi. Trovare la forza e il coraggio di restare te stesso e di opporti, in tutto questo. Questa è la saggezza e la tentazione dell’uomo da sempre.
L’album “Moving Picures” è il momento dei Rush in cui tutti i fattori giusti si sono incastrati al posto giusto, al momento giusto. Idee musicali piazzate in modo rigorosamente riconoscibile, ma con un’energia con cui non era difficile identificarsi per le masse, con la forza di una band capace di offrire una varietà colorata tra i motivi guida dei singoli brani, di offrire pezzi che raggiungono tutti lo stesso livello di qualità e che sono, uno dopo l’altro, i favoriti di questo disco. Un momento Rush che ha rappresentato uno dei vertici della carriera creativa della band e che ha prodotto un album in cui non c’è un solo fattore che si potrebbe migliorare a posteriori. Meglio di quanto ha catturato “Moving Pictures” non si può. È un prodotto perfettamente compiuto. Con il suo approccio d’avanguardia, esplorativo, rivolto in avanti e positivo nello sviluppo, “Moving Pictures” resta attuale per sempre. Un album come “Moving Pictures”, nell’universo del rock, occupa sempre un posto speciale. Il posto di un capolavoro rock!
Formazione
Geddy Lee – voce, basso, Oberheim OB-X, sintetizzatore polifonico, mini moog, pedaliera sintetizzata Taurus
Alex Lifeson – chitarra elettrica e acustica a sei e a dodici corde, pedali Taurus
Neil Peart – batteria, percussioni
Produzione
Rush & Terry Brown
Tracklist
1. Tom Sawyer (4:33)
2. Red Barchetta (6:09)
3. YYZ (4:24)
4. Limelight (4:19)
5. The Camera Eye (10:58)
6. Witch Hunt (4:44)
7. Vital Signs (4:36)
