Lovely Days festival 2007

 

 

COLOSSEUM: 17.30 – 19.00

Dopo che i Blood Sweat & Tears, o meglio la band che oggi si è appropriata di questo nome, mi avevano lasciato in paradiso grazie a un’esibizione eccellente, mi sono avviato verso il luogo dove suonava la leggendaria istituzione del jazz rock fusion, i Colosseum. Assistere alle band nella sala “dei fiori” era roba solo per i più coraggiosi, pronti a sacrificare per qualche ora il proprio apparato respiratorio a fumo e afa, perché la ventilazione era disperata e gli ultimi percentuali di ossigeno li aveva consumati il pubblico stipato fino ai bordi della sala. Nonostante le circostanze per niente incoraggianti che regnavano sulla “scena del crimine”, ho rinunciato con estrema facilità a vedere l’esibizione della signora Suzanne Vega, che nel frattempo sul palco esterno scaldava i visitatori più sentimentali dell’evento.

Chiunque abbia visto almeno una volta i Colosseum dal vivo sa che è una band che tira fuori sempre tutto quello che può e anche di più, il che alla loro età è senz’altro un risultato più che rispettabile, quindi a ragione mi aspettavo di nuovo un vero e proprio pascolo per le orecchie. Gli antenati del progressive rock mi avevano già scioccato una settimana prima, quando a Klagenfurt avevano suonato insieme ai Man e mostrato come si suonava una volta, quando praticamente tutta la musica si registrava con anima e cuore. I Colosseum, stavolta, hanno ovviamente accorciato a dovere la scaletta, adattandola ai limiti di tempo del festival. Ciononostante posso dire che in certi passaggi hanno lasciato un’impressione ancora migliore che a Klagenfurt, almeno per quanto riguarda le esecuzioni strumentali. Questa volta hanno attaccato subito con il beniamino blues/hard rock “Skellington” (Colosseum Live, 1971), dove al pubblico si è presentata l’intera formazione, composta solo da leggende del mestiere rock. Il vecchio capo Jon Hiseman, nascosto dietro la sua montagna di piatti (che ammirerebbe senz’altro anche un Phil Collins), teneva d’occhio sotto di sé cosa faceva la moglie Barbara Thompson, che girava continuamente sul suo sassofono (il suo continuo ruotare è purtroppo conseguenza del morbo di Parkinson), poi il leggendario organista dalle dita veloci Dave Greenslade (oltre a Hiseman l’unico membro originale, ben noto anche per la carriera solista e per la sua band), il dio della chitarra Clem Clempson (alcuni lo ricordano soprattutto come membro degli Humble Pie dopo l’addio di Peter Frampton), il bassista poliedrico Mark Clarke (che come co-autore del brano “The Wizard”, leggendaria ode alla libertà, è più rispettato dagli amanti degli Uriah Heep, di cui è stato membro solo per qualche settimana) e il carisma centrale della formazione: il ben pasciuto e solcato di rughe, ma estremamente simpatico, signorone Chris Farlowe (ex-Atomic Rooster). Quest’ultimo, dietro il microfono, faceva smorfie e tuonava con la sua voce “soul” come se avesse la metà degli anni. I Colosseum sono in fondo una blues band, perciò di solito alle loro esibizioni si divertono tanto gli amanti dei suoni sporchi, dell’agonia e della rabbia del blues quanto i sognatori del progressive rock, a cui piacciono di più i lunghi passaggi strumentali, le improvvisazioni e il suono morbido e fine delle tastiere, con cui il signor Greenslade non è certo avaro. Anche stavolta hanno arricchito la loro fusione strumentale tra blues, jazz e hard rock con ampi assoli e persino qualche improvvisazione. Così brani di derivazione blues e hard rock, come ad esempio “Tomorrow’s Blues” dal loro ultimo album in studio, sono stati portati in tanti viaggi sperimentali. Soprattutto attraverso le lunghe jam tra Clempson e Clarke e i vivaci assoli di Greenslade. Il culmine delle parti a vocazione hard rock è stato un’ottima esecuzione del loro hit “Walking In The Park” (dal debutto Those About To Die, 1969). Poi è arrivato l’atteso “stacco”. Hiseman ha raccontato la storia di come nel 1969, guardando in televisione lo sbarco dell’uomo sulla Luna, decise di rispondere alla celebre frase di Armstrong sul “piccolo passo per l’uomo e grande balzo per l’umanità”. Così fece lui stesso un “grande passo per la musica rock” e scrisse la “Valentyne Suite”, che non è solo il lavoro migliore nella storia della band ma una delle opere più importanti e migliori nella storia del progressive rock. Farlowe, intanto, ha potuto di nuovo andare a farsi una birra, perché a quel punto i signori (e la signora, ovviamente) hanno svelato fino in fondo il loro potenziale. La leggendaria suite jazz rock fusion è tornata a vivere in tutta la sua grandezza, e le emozioni che mi hanno preso durante la sua esecuzione non erano molto lontane dalla beatitudine totale. Un perfezionismo del genere e un senso così sottile nel creare un’atmosfera eccellente, che questi vecchi lupi possiedono ancora, mi hanno più volte lasciato senza fiato.

Come bis è seguito un mostruoso assolo di batteria del signor Hiseman, con cui ha fatto restare a bocca asciutta, oltreoceano, perfino il suo compare jazzista, il signor Phil Collins (che di recente ho avuto l’onore di vedere all’opera pure io). L’assolo di Hiseman è stato senza dubbio uno dei migliori assoli di batteria che ricordi dalle mie scorribande concertistiche. Infine, l’intera formazione si è presentata insieme un’ultima volta sull’inno blues/hard rock “Lost Angeles” (The Graas Is Greener, 1970), dove Farlowe ha lasciato andare fino in fondo i suoi cavalli vocali e ha messo gli altri membri su una movimentata giostra hard rock. Anche stavolta i Colosseum mi hanno conquistato del tutto e incantato ancora con la loro professionalità, il loro affiatamento e l’ottimo contatto con il pubblico. I leggendari nonnetti invecchiano evidentemente come il buon vino: più sono vecchi, meglio sono (un’affermazione un po’ sfacciata da parte di uno nato quando i loro giorni più creativi erano ormai passati da un pezzo e che quindi non ha mai potuto vedere le loro esibizioni di allora, eppure secondo me anche molti “vecchi saggi” del rock sarebbero d’accordo con me).

L’unica cosa un po’ goffa durante l’esibizione è capitata alla signora Thompson, quando durante il cult strumentale “Theme From An Imaginary Western” non è riuscita in nessun modo ad accordare il sax soprano e ha soffiato a lungo letteralmente a vuoto, ma non si è fatta disturbare e ha superato quella scivolata da vera professionista. Questa volta mi concedo anche una piccola osservazione pungente sull’immagine della maggior parte dei membri, che, a parte l’evidentemente sempre di ottimo umore Clarke, che per l’occasione ha indossato camicia da festa e cravatta, erano vestiti in modo del tutto identico a Klagenfurt. Del resto è una specie di prassi consolidata delle band della loro generazione, che ancora oggi vivono quasi esclusivamente per la loro musica e delle varie mode se ne infischiano, e che certamente accompagnano il tutto con una bella dose di sarcasmo sull’artificiosità generale che regna oggi nella musica rock popolare. Molto di più su questo avrebbe da dire anche il capo della band successiva, che è stata uno dei tre motivi principali per cui mi sono ritrovato al festival.

COLOSSEUM setlist:
1. Skellington
2. Morning Story
3. Tomorrow’s Blues
4. Theme From An Imaginary Western
5. Walking In The Park
6. Valentyne Suite 
—bis—
7. Drum solo
8. Lost Angeles

JETHRO TULL: 19.40 – 21.10

Chi mi conosce sa che i Jethro Tull sono una delle mie band preferite, quindi, se posso, faccio tutto quello che è in mio potere per essere presente a un loro concerto, purché si trovino in un posto logisticamente più o meno raggiungibile. L’indistruttibile Ian Anderson, ancora oggi il principale candidato al titolo di rocker più tosto della sua generazione, è riuscito a mantenere viva la leggenda dei Jethro Tull anche nel XXI secolo e, nonostante il loro fattore creativo si sia addormentato per bene, visto che aspettiamo il loro nuovo album da otto anni, vedere un concerto dei Jethro Tull è un evento che resta un obbligo anche per tutti quegli appassionati a cui il progressive rock di solito non sta particolarmente a cuore. Quando a fine giugno li ho visti a Pordenone, madre natura ci ha fatto un brutto scherzo: dopo un acquazzone enorme, per rovinare la festa ha pure scagliato un fulmine che ha messo fuori uso il cavo principale e interrotto la corrente. Ian e i suoi compari sono stati così costretti a salutare solo pochi minuti prima del bis che sarebbe seguito alla fine della parte regolare. Un’esibizione decisamente dignitosa (ma non di prim’ordine) si è quindi conclusa con un retrogusto amaro. Stavolta la paura di qualcosa di simile era del tutto superflua, perché si suonava in una sala che mezz’ora prima gli eccellenti Colosseum avevano portato al punto di ebollizione. Nel frattempo, fuori avevano già cominciato i Barclay James Harvest featuring Les Holyrod (per chi non lo sapesse: è una delle due band che si contendono il nome BJH, mentre il chitarrista e il tastierista eseguono le loro prime opere progressive sinfoniche, il bassista dalla voce sottile “incanta” soprattutto con le sue creazioni AOR (più o meno)). Siccome non erano i veri BJH, non mi è dispiaciuto minimamente non vederli. Rinuncerei a vedere i Jethro Tull (forse!) solo per una reunion di tutti e tre i brontoloni dei BJH, perché non li ho ancora mai visti.

Avrei fatto un errore madornale a lasciare in asso Ian e la sua allegra compagnia, perché ero convinto che, nonostante la sala stipata, afosa e appestata dal fumo di tabacco (curioso, era già la seconda volta, e non l’ultima, che durante un loro concerto mi cuocevo come in una pentola), avrei assistito all’esibizione affiatata di una band che semplicemente non può mai deluderti. Uno dei roadie è venuto ad avvisarci addirittura due volte che l’indomito vecchio scozzese aveva problemi ad accordare il flauto, perciò l’attesa dell’arrivo della band si è un po’ prolungata. In generale i roadie questa volta hanno fatto cilecca del tutto, visto che Martin Barre, il più rispettato tra i chitarristi trascurati nella storia del rock, ha dovuto accordarsi la chitarra da solo. Così tutti i membri della band tranne Ian erano già sul palco prima che si spegnessero le luci, il che di certo non era l’inizio più adatto per un concerto.

Il vero shock è arrivato nel momento in cui hanno cominciato a suonare l’introduzione strumentale di “Living In The Past” (dall’omonima raccolta del 1972) senza il loro “capitano”. Mentre guardavo, già preso dal panico di assistere forse al primo concerto senza il capo nella storia della band, il che sarebbe stato ovviamente una vergogna senza pari, sul palco è arrivata ballonzolando, scatenata, una leggenda vivente del mestiere, con l’immancabile flauto, il gilet e il fazzoletto da pirata. Ian, da vero leader e mago del palco, con il suo incredibile carisma e la sua energia si è trascinato dietro in un attimo anche gli altri membri, che all’inizio sembravano molto compassati e persino un po’ imbronciati. Oltre ai due vecchi compagni, Barre e il batterista Doane Perry, gli facevano compagnia due nuovi membri: il bassista David Goodier e il tastierista John O’ Hara (che sembra il fratello maggiore gemello di Steven Wilson (Porcupine Tree)). Già a Pordenone entrambi i nuovi membri mi avevano convinto che con questa mossa Ian aveva migliorato tutto il suono della band rispetto ai loro predecessori. Dopo aver “svegliato” i suoi compagni con il suo sempre energico soffiare, aver lanciato al pubblico una serie dei suoi caratteristici sguardi spiritati e aver ballato su una gamba sola, il tizio si è buttato sulla prima delle sue aneddotiche battute spiritose, con cui da tempo immemorabile intrattiene il pubblico con più o meno successo.

Quando ha afferrato la chitarra acustica e ha annunciato il brano leggendario che (nella finzione di Ian, ovviamente) ha scritto l’ottenne Gerald Bostock, si è cominciato sul serio. Ogni fan ha subito capito che si trattava di “Thick As A Brick” (omonimo capolavoro concettuale del 1972), la creazione più ambiziosa della loro carriera, che ovviamente anche stavolta hanno accorciato parecchio. Ciononostante hanno suonato tutti gli arrangiamenti principali e, anche se la voce di Ian non è più quella di una volta (soprattutto nei brani più vecchi), stavolta se l’è cavata di nuovo benissimo. O’ Hara si è trovato a suo agio anche alla fisarmonica, mentre Goodier ogni tanto si è dedicato allo xilofono. Versatilità, insomma, a ogni passo. L’esecuzione di 10 minuti di “Thick As A Brick” è stata senz’altro una delle migliori di tutto il concerto. Il brano successivo Ian l’ha accompagnato con il suo tipico humour, “che si tratta di un brano completamente nuovo, dedicato alla birreria preferita del tastierista John O’ Hara e che uscirà anche nel loro album”. Già a Pordenone mi ero convinto che “Donkey And The Drum” sia un ottimo strumentale con molte influenze di musica orientale (cosa del resto tipica della maggior parte dei pezzi dei loro ultimi due album) e anche stavolta non hanno mancato di convincere che sono ancora capaci di creare cose di prim’ordine. È seguito un altro strumentale molto, molto più noto e amato, dall’album “Stand Up” (1969), che Ian accompagna sempre con una battuta diversa sulla “profanazione” del classico capolavoro di J. S. Bach. Stavolta l’eterno burlone l’ha battezzato semplicemente porno jazz. Le versioni più recenti di questo classico dei Tull contengono un’introduzione aggiuntiva al flauto, ed è stato così anche stavolta, poi si sono uniti a Ian gli altri membri, perfettamente affiatati, tra i quali si è concesso qualche inserto distorto in più anche il Martin di buon umore. Il turno di essere “preparata” in una nuova veste è toccato alla vecchia, famigerata strega “Mother Goose”, che secondo me è stata il culmine della serata. Già solo il modo in cui Ian presenta l’esecuzione di questa creazione garantisce una bella dose di risate, soprattutto per chi la sente per la prima volta (qualche parola la cambia sempre). Mentre mandava l’enorme Doane ai piccoli bongo, dietro ai quali faceva una figura non poco comica, Martin e John hanno afferrato ciascuno il proprio flauto dolce. Erano di misure diverse, con quello di John più corto. Ian l’ha accompagnato in un attimo con quel “ma le dimensioni non contano, vero ragazze”. Poi, davanti alla disapprovazione di una delle ragazze sotto il palco, ha concluso “che contano” e ha cercato di mettere in imbarazzo il tastierista allampanato. Quanto all’esecuzione, è stata una vera favola, dato che le hanno aggiunto ancora qualche nuovo arrangiamento che sembra inventato lì per lì, ogni concerto completamente diverso.

Poi sono tornati a suonare note hard rock e si sono buttati su un altro antichissimo classico, “Nothing Is Easy”, di cui Ian ha detto che “ha un ritmo per cui perfino gli Status Quo ucciderebbero, ma per fortuna qui non ci sono”. “Nothing Is Easy”, considerato uno dei pezzi più longevi e amati del loro repertorio live, è riuscito a scaldare fino in fondo anche tutte le barbe grigie che avevano avuto occasione di sentirlo già alla sua uscita. Ian ha scatenato di nuovo salve di risate quando ha detto “che una volta gli inglesi avevano un re che non era re Blair ma re Enrico VIII, che oltre all’arte apprezzava il tagliare la testa alle sue numerose mogli, e che il prossimo strumentale è dedicato ai suoi tempi”. È toccato a un madrigale barocco, uscito originariamente come “King Henry’s Madrigal”, ma Ian ha scoperto di recente che il brano in realtà si chiama “Past Time With Good Company”. Curioso che questa prelibatezza folk rock medievale, soprattutto per gli amanti di band come ad esempio i Gryphon, si sia guadagnata uno degli applausi più fragorosi della serata. È seguito il pezzo solista di Martin “After You After Me” dal suo album “Stage Left” (2005), in cui ha dimostrato ancora una volta quanto sia sottovalutato come chitarrista. “Lancillotto” stavolta, per cambiare, è stato incoraggiato con striscioni dai fan (e dalle fan, ovviamente), cosa che Ian ha notato subito, tirandogli una bella battutaccia. Il signore è davvero instancabile con le sue spiritosaggini.

Il successivo strumentale lo ha annunciato come opera originale di Leonard Bernstein e colonna sonora del film “West Side Story” in cui recita John Wayne (quest’ultimo l’ha “indovinato” solo dopo aver citato gli altri due eroi americani, Tom Hanks e Steve McQueen). L’arrangiamento principale, secondo le parole di Ian, è fedele alla versione musicata dal leggendario mago delle tastiere Keith Emerson, ai tempi dei The Nice, a cui è dedicata questa esecuzione. Personalmente non sono molto entusiasta che una band che nella sua storia non ha praticamente mai fatto una cover suoni ai concerti, al posto dei classici, inni musicali arcinoti, ma per l’esecuzione davvero eccellente stavolta ero disposto a chiudere un occhio. Ian ha accompagnato il dolcetto musicale successivo con il sarcasmo che “ora tocca al nostro brano più famoso, che si chiama “Stairway To…mi scuso…”Smoke On…. “Smoke On Aqualung!”. Il vagabondo pedofilo dalla gola rovinata ha infatti ricevuto un arrangiamento introduttivo completamente nuovo, per così dire un abito completamente nuovo, frutto soprattutto del flauto di Ian, che nella versione classica non c’è. Questo arrangiamento, basato soprattutto su tastiere e flauto, è stato eccellente e lungo quasi quanto l’originale. Ciononostante hanno poi attaccato anche la classica versione condita da un riff di chitarra infernale, che ha finalmente mandato il pubblico in pieno delirio. “My God”, il momento in cui il cinismo di Ian raggiunge l’apice, con un attacco aperto alle istituzioni religiose, anche dopo tutti questi anni è ancora un brano possente e uno dei momenti più “da star” del signore. Oltre a una discreta prestazione vocale, stavolta ha un po’ “esagerato” con gli assoli finali di flauto (cioè con i soffi), tanto che al quinto fischio alla fine si è letteralmente “piegato” e ha gemuto di dolore. Il tutto era ovviamente solo una burla, parte del suo spettacolo sul palco. L’esibizione si avvicinava lentamente alla fine, ma restava ancora un’altra “storia dell’Est”. L’epica “Budapest” è uno dei pochi brani creati negli anni ’80 che ancora oggi gode dello status di classico. Inoltre, nonostante la sua lunghezza, non la accorciano quasi mai. I Tull hanno suonato questo epico progressive emozionale come si deve e si sono guadagnati lunghe ovazioni anche dopo aver lasciato il palco.

Ma è durato solo una scarsa minutino, perché John O’ Hara si era già seduto alle tastiere e aveva cominciato a suonare le battute iniziali del loro classico più noto, “Locomotive Breath”. Posso dire che è stato un bis del tutto prevedibile, che però, nonostante abbia già sentito il brano tante volte in una forma o nell’altra, ha di nuovo ottenuto l’effetto desiderato. Il navigatore della locomotiva e i suoi aiutanti sono riusciti ancora a convincerci che la locomotiva Jethro Tull sbufferà a pieno vapore ancora a lungo. Anche se la loro esibizione non è stata del tutto impeccabile e, grazie agli organizzatori, ci siamo sudati come in una caldaia infernale, i Jethro Tull hanno dimostrato ancora una volta di essere una delle poche band dell’età d’oro del progressive rock che, soprattutto grazie al suo straordinario frontman, mantiene con successo un contatto incredibile con il pubblico. Inoltre, a causa del limite di tempo sono stati costretti ad accorciare sensibilmente la scaletta, così che avevano ancora un bel po’ di margine. Qualche piccola sbavatura è capitata anche a “Lancillotto” alla chitarra, che però l’occhio e l’orecchio non esperti hanno notato a malapena.

Per tirare le somme, nonostante i problemi iniziali, ho assistito a un’esibizione nettamente più energica che a Pordenone, mentre l’affiatamento era più o meno lo stesso. A Ian, a cui stavolta nemmeno madre natura col meteo è riuscita a nuocere, l’energia giovanile peraltro non manca mai, e, se tutto va bene, ci delizierà ancora per i prossimi quarant’anni. È il minimo che gli si possa augurare. La allegra compagnia con lo zio furbacchione e i suoi compari è proseguita anche il giorno dopo a Graz. Se ne parla in un altro reportage e in un’intervista con un interlocutore di ottimo umore, che oltre al puro professionismo ne sparava di tali che perfino Ceferin si piegherebbe dalle risate, se avesse un cuore.

URIAH HEEP: 21.15 – 22.45

Il concerto dei Jetho Tull non si era ancora ben dissolto che toccava già agli Uriah Heep, altri grandi dei tempi d’oro in cui il 99% della musica rock si faceva con cuore e anima, e non oggi, che il rapporto è quasi inversamente proporzionale. Ho schiarito in fretta la mente, sono tornato “coi piedi per terra” e a passo svelto mi sono diretto verso l’uscita dalla disperatamente afosa e fumosa sala “dei fiori”. Era davvero ora, perché i membri degli Uriah Heep nel frattempo si erano già radunati sul palco, sotto l’ormai standard gigantesco poster del popolare “mago” dal loro album di maggior successo (e secondo la maggior parte anche il migliore) “Demons And Wizards” (1972), con cui si sono guadagnati lo status immortale agli occhi e alle orecchie di molti che sanno ascoltare la musica anche con il cuore. Purtroppo (o forse per fortuna; dipende dai punti di vista) gli Uriah Heep sono ancora oggi una band criminalmente sottovalutata, che in realtà non ha nemmeno bisogno del riconoscimento kitsch di qualche istituzione aziendale senz’anima per sancire gli infiniti meriti di questa magnifica band nello sviluppo generale della musica rock.

Prima di tutto alcune novità minori che hanno cambiato in modo evidente il profilo sonoro della band e quindi lo svolgimento dell’intero concerto. Dopo che il carismatico Lee “The Bear” Kerslake per malattia si è ritirato, ovvero ha rinunciato a continuare a suonare con la band (spero devotamente che sia solo temporaneo), al suo posto è arrivato il molto più giovane Russell Gilbrook, che per tecnica e aspetto ricorda un po’ Chris Slade, che un tempo suonò anch’egli la batteria negli Uriah Heep (il “famoso” album Conquest, 1980). Russell usa nettamente meno piatti di Lee, e non aiuta la band con i cori come faceva ai suoi tempi, con grande successo, il leggendario “orso”. Ciononostante, evidentemente è anche lui un amante del buon umorismo, dato che su uno dei tamburi aveva appeso un Muppet, che nella nostra traduzione si chiama “Bestia”. Il ruolo di corista principale lo ha così assunto il tastierista Phil Lanzon, già da tempo noto come cantante di qualità, che anche sotto altri aspetti si è messo un po’ più in primo piano del solito ed è stato uno dei membri più in forma della serata.

Gli altri membri erano piuttosto standard, come quelli a cui sono abituato dai concerti precedenti, ma per nulla routinari, anche se il simpatico yogi Mick Box, unico membro originale e anima della band, potrebbe fare un filo meno il “mantra” con i suoi gesti rivolti al cielo, ma se è il suo modo di rilassarsi, che sia. Finché ci delizierà con i suoi caratteristici passaggi wah-wah alla chitarra e con un approccio totalmente dedicato, per me può stendere anche il tappeto verso la Mecca. Il cantante Bernie Shaw nel frattempo si è “coltivato” una vera pancetta da birra, probabilmente conseguenza della sua crescente cura per la famiglia e i figli. Il bassista Trevor Bolder, leggendario “ragno” di Bowie, di solito è come il tempo: può essere totalmente statico e “mansueto” oppure completamente scatenato. Stavolta, come umore, era più vicino allo scatenato, dato che nei duelli di chitarra si è piazzato più volte al fianco di Mick.  Tutti insieme avevano un compito piuttosto difficile, che per una band del loro calibro di solito è una bazzecola: svegliare un pubblico già bello addormentato e stremato da concerti consecutivi.

La scaletta di stasera non ha offerto chissà quali sorprese, dato che era quasi identica a quella dell’anno scorso a Wiesen. Anche stavolta hanno aperto con “So Tired” (Wonderworld, 1974), che a mio parere è uno dei loro pezzi più nella media e non la scelta più azzeccata per iniziare un concerto, tanto meno per scaldare il pubblico. Quest’ultimo ha “ricambiato” in modo evidente con una reazione piuttosto passiva. La maggior parte probabilmente ha sentito dal vivo questa scelta insolita per la prima volta in assoluto. La band se n’è accorta subito, perciò ha cercato di spronarli con l’energica “Cry Freedom” (Raging Silence, 1989), ma il suono continuava a fare i capricci. Fino a circa metà concerto, infatti, nonostante l’esecuzione eccellente, suonavano piuttosto sregolati. In particolare il microfono di Bernie non era ben regolato, perciò ha dovuto chiedere espressamente al roadie di sistemarglielo come si deve. Ciononostante né lui né gli altri membri si sono lasciati irritare, perché come al solito hanno suonato tutti i pezzi con il cuore e con una forza immutata (i migliori sono i migliori). Hanno affrontato con coraggio anche “Fallin’ In Love” (Fallen Angel, 1978), classico del periodo con John Lawton, che però Bernie ha ovviamente cantato a modo suo. Gli Heep di solito hanno un repertorio estremamente bilanciato tra vecchio e nuovo, ed è stato così anche quella sera.

L’eccellente “Words In A Distance” (Sea Of Light, 1995) di solito ottiene lo stesso effetto ed entusiasmo del pubblico dei loro classici più vecchi, ma stavolta ho avuto l’impressione che, tranne che nelle prime file, il pubblico non desse alla band il vero sostegno. Durante il mini hit “Stealin'” (Sweet Freedom, 1973), che Bernie canta sempre in modo eccellente, il pubblico si è finalmente scaldato un po’ di più e ha cominciato a partecipare cantando, anche se ho già assistito a un’esecuzione migliore di questo classico. L’unica sorpresa maggiore del concerto per me è stata l’ottima esecuzione dell’antichissimo classico “Look At Yourself” (omonimo album del 1971), che ho avuto occasione di sentire dal vivo per la prima volta in assoluto (ed è già la mia quarta volta che li vedo). Qui il nuovo batterista Gilbrook ha dimostrato di nuovo più chiaramente le sue qualità e devo ammettere che il ragazzo ha senza dubbio talento, anche se ovviamente nessuno sarà mai come Lee. “Between Two Worlds” (Sonic Origami, 1998) ha ottenuto di nuovo reazioni miste, anche se la band a quel punto aveva già trovato da un pezzo il suo vero ritmo.

Con questo sono finite le esecuzioni dei pezzi “più recenti” e in scaletta sono rimasti solo classici del loro periodo d’oro con il leggendario tastierista Ken Hensley, che ancora oggi a molti manca. Mick ha allora preso la chitarra acustica ed è stato il turno della leggendaria “The Wizard” (Demons And Wizards, 1972), per molti la loro ballata più bella, che parla dell’autorealizzazione interiore dell’uomo e della fede nella vittoria del positivo. Negli ultimi anni questo classico è diventato dedicato al loro cantante originale, l’indimenticabile David Byron, che ha lasciato questo mondo decisamente troppo presto. Il “Mago”, con il suo straordinario misticismo, ha scaldato anche i cuori di alcuni di quelli che fino ad allora avevano solo guardato passivamente cosa succedeva sul palco. Noi altri, intanto, abbiamo cantato insieme alla band e ricordato quelli che ci sono più vicini nell’anima. È seguito, secondo me, il culmine del concerto in un’eccellente esecuzione di “Sunrise” (The Magician’s Birthday, 1972), un altro classico immortale, che attraverso il suo messaggio significa moltissimo per me. Qui Bernie ha potuto dimostrare al meglio che cantante magnifico sia e quanto bene sappia sfruttare il suo equilibrio tra il modo di cantare di Byron (pop) e quello di Lawton (blues).

I dormiglioni austriaci, come previsto, si sono svegliati del tutto solo con l’esecuzione di “Free Me” (Innocent Victim, 1977), il più grande successo tedesco della band, che Bernie come al solito ha sfruttato di nuovo per la “gara” tra sinistra e destra nel cantare il ritornello. Mick non vedeva l’ora che toccasse alla sua vecchia conoscenza, la “zingara”, dove come al solito si è concesso un assolo a più strati. “Gypsy” è uno degli standard obbligatori e, anche se accende ancora il palco con la sua incredibile energia ad alta tensione, non sarebbe male se un giorno decidessero di suonarla di nuovo con quella leggendaria, iconoclasta introduzione alle tastiere, che ci hanno offerto il giorno prima il loro ex compagno Lawton e Mary Rose. È seguito il gran finale con l’immortale “July Morning” (Look At Yourself, 1971), che, curiosamente, è stata suonata in una sera di luglio e, anche se ho già assistito a un’esecuzione migliore di questo classico, nemmeno questa era da buttare. Lanzon ha sfruttato di nuovo bene il suo momento “da star” all’organo hammond e più volte ci ha benedetti con i suoi gesti, dato che si tratta di un brano che dovrebbe simboleggiare le nozze, anche se ovviamente ognuno può farsene la propria idea. Nel frattempo è tornato anche Bernie, che ovviamente non può cantarla come sapeva fare Byron, ma riesce comunque a creare un’atmosfera estremamente emozionante. Dopo le fragorose ovazioni del pubblico, gli Heep hanno lasciato il palco e sono rientrati di corsa con un ottimo bis.

“Bird Of Prey” (Salisbury, 1971) è tornata nel loro repertorio live anni fa dopo una lunga assenza. L'”uccello rapace” è sempre efficace nel far tornare in piedi il pubblico che si sta già avviando “a letto”, dato che è uno dei loro pezzi più duri. Il secondo classico nel bis per me è stato molto meno interessante e prevedibile. Anche se il loro brano più noto “Easy Livin'” (Demons And Wizard, 1972) per me, per il chilometraggio d’ascolto, è qualcosa come ad esempio “Stairway To Heaven” o Smoke On The Water”, ai concerti mi entusiasma ancora, perché è lì che la band di solito si “fonde” definitivamente con il pubblico. La chiusura è stata ovviamente del tutto prevedibile. Mick ha preso la sua chitarra acustica ed è stato il turno di “Lady In Black” (Salisbury, 1971), in certi posti addirittura un classico ancora più noto di “Easy Livin'” (le sue sezioni si possono sentire ogni tanto perfino nelle competizioni sportive). Alla maggior parte non c’è stato bisogno di chiedere di unirsi al canto, e la vera magia Heep si è così rivelata del tutto, anche se per gran parte del concerto mi era mancata parecchio. La band, come di consueto, ha ringraziato in modo estremamente sentito e di cuore tutti quelli che l’hanno sostenuta durante l’esibizione e dopo le fragorose ovazioni ha lasciato il palco.

Anche se subito dopo la fine del concerto ero un po’ deluso dalla scelta dei pezzi piuttosto poco fantasiosa (soprattutto per loro), dai problemi sonori, indirettamente dalla mancanza di buona parte della solita magia Heep e anche (lo ammetto!) dall’assenza dell'”orso”, gli Uriah Heep restano comunque un mondo a sé quanto a creazione di molteplici atmosfere, approccio più che cordiale all’esecuzione dei pezzi e comunicazione con il pubblico. Inoltre il nuovo batterista ha sicuramente portato un po’ di energia giovanile, che sapranno certo sfruttare bene, dato che tutto indica che si inserirà bene nello spirito della band. Con piccoli ritocchi sarebbero stati per me anche per esecuzione la band della serata, così posso valutare la loro esibizione solo come molto solida e dignitosa. L’anno scorso a Wiesen li aveva completamente oscurati Keith Emerson, stavolta hanno avuto la fortuna che dopo di loro toccava a una parodia di una band che un tempo si chiamava The Doors, così che in generale, rispetto a tutti gli artisti in programma, hanno lasciato addirittura un’ottima impressione e hanno fatto da metro di qualità. Quindi secondo me sono risultati addirittura un filo migliori dell’anno scorso. Se non li avessi già visti più volte e non sapessi quindi valutare lucidamente un concerto, dopo quello che ho visto sarei probabilmente del tutto euforico, invece rimango un po’ sconsolato davanti al fatto che una band come gli Uriah Heep sia capace di molto di meglio (in condizioni giuste, ovviamente). I più grandi “maghi” della musica rock, comunque, restano ancora loro e non devono temere minimamente di perdere mai questo status.

TEN YEARS AFTER: 21.40 – 23.10
Devo ammettere che il pensiero di un’esibizione dei Ten Years After senza il leggendario chitarrista Alvin Lee ha risvegliato in me più d’uno dei dubbi ancorati per sempre nei miei pensieri, che per tutto il pomeriggio del sabato hanno rosicchiato senza sosta le mie cellule cerebrali già da tempo logore. La consapevolezza di quanto mi fossi sbagliato è quindi arrivata più che a proposito. Il giovane Joe Gooch, ventisettenne appena compiuto, che cinque anni fa è entrato con tanto coraggio nelle scarpe dell'”insostituibile” Alvin Lee, non è infatti per niente uno dei tanti inseminatori di mucche di serie B locali, finito per caso sotto la lente di una folla assetata di buona musica blues rock, radunata davanti al palco del Flower Stage del Lovely Days festival austriaco. Il “ragazzino” con la sua incredibile velocità ha spazzato via tutti i presenti, il che non rappresenta però nemmeno lontanamente il fattore più importante, quello che più entusiasma nelle sue acrobazie a sei corde. Mi riferisco soprattutto allo stupefacente trasporto emotivo del suo modo di suonare che, se non supera la grandiosità del suo celebre predecessore, nel peggiore dei casi gli fa una concorrenza almeno eccellente.

I Ten Years After sono, soprattutto grazie all’entusiasmo del giovanotto di cui sopra, una formazione decisamente viva e che va a pieni giri, che, a differenza di tante band di oggi nate trent’anni fa e più, non si illude affatto di poter poltrire pigramente sugli allori ormai impolverati da un pezzo. Anzi, tutto il contrario. La band, con la sua offerta sincera ed energica del buon vecchio blues rock, ha scosso a dovere i nostri corpicioni più o meno imponenti, che fin dall’iniziale Working On The Road sventolavano orgogliosi direttamente sotto il naso degli Uriah Heep, che nello stesso momento “terrorizzavano” gli ascoltatori del vicino Powerstage.

Cosa entusiasma di più nei Ten Years After del nuovo millennio? Soprattutto la loro capacità di portare le tradizionali arringhe blues, dure e implacabili, in sfere musicali del tutto nuove e fino ad allora inesplorate. I vecchi, ben masticati ornamenti melodici del grande Alvin Lee, grazie al gioco fluido, loquace e fantasioso di Joe, si ritirano ogni volta con rispetto. Lo stesso vale per gli altri tre veterani della musica, che, sistemati con cautela dietro una linea di demarcazione virtuale, lasciano al chitarrista entusiasta un’enorme libertà di manovra. In un ambiente simile, i Ten Years After ci hanno scrollato addosso senza un briciolo di rimorso lo sporco sotto forma di indimenticabili Good Morning Little School Girl, Love Like A Man e naturalmente della onnipresente I’m Going Home. Non è mancato nemmeno The Hobbit di Rick Lee, ovviamente con l’obbligatorio intermezzo di batteria di dieci minuti, annunciato prima da una creazione più recente dei TYA, l’ottima King Of The Blues, e poi da una Big Black 45 un po’ più concreta, brano che in origine appartiene ai Kick, dove suonava Joe Gooch prima che i TYA lo accalappiassero. Che Joe Gooch, oltre alla velocità, possieda anche uno straordinario senso del sentimento ce l’ha fatto capire chiaramente la commovente I Can’t Help From Crying Sometimes, che all’esecutore richiede una profonda comprensione e una totale dedizione al messaggio altrimenti semplice del blues. L’incredibile Joe ce ne offre in abbondanza anche di questo, il che conferma soltanto che i Ten Years After sono una delle poche formazioni leggendarie che, nonostante i grandi rimescolamenti di organico, rappresentano ancora oggi un centro musicale del tutto credibile.

TEN YEARS AFTER setlist:
1. Working On The Road
2. Hear Me Calling
3. King Of The Blues
4. Big Black 45
5. The Hobbit
6. Love Like A Man
7. I’d Love To Change The World
8. Good Morning Little School Girl
9. I Can’t Help From Crying Sometimes

10. I’m Going Home

—bis— 
11. Cho Cho Mama

testo su Ten Years After: Daniel Pavlica